音乐入门导读-----《唱片里的世界》陈立

老鬼

序言

人们常常将“神圣”、“殿堂”一类的字眼与古典音乐相联系，意在体现古典音乐的高雅和严肃。这种认识当然有其历史的、心理的根据，对于培养人们对古典音乐的尊重乃至崇敬不无裨益，而且也确实对许多音乐爱好者产生了影响。很多普通的音乐会听众在走进音乐厅时其虔诚的心情不亚于教徒走进教堂；而很多人在家里听唱片时也会极力营造出宗教仪式般的虔诚气氛。然而，这种看法也不可避免地有其不利的一面，那就是，它突出和夸大了古典音乐的高雅和严肃，而忽视或者掩盖了古典音乐亲切、可爱的一面，使古典音乐成为一种令人敬畏的精神仪式，而不是作为人类生活一个有机组成部分的日常精神食粮。很多音乐大师都提醒人们不要忘记音乐有其令人愉悦、给人享受的功能，这是任何一个健康的、感觉健全的人都有资格享受的。

陈立的这本《唱片里的世界》所持有、所倡导的正是这样一种自然平易、亲切轻松的音乐观，或者说，一种更健康的音乐品味。这本书的目的是带我们一同走入唱片里的音乐世界，也就是通过唱片去体验音乐的丰富和美妙。作者从不向我们渲染那个我们即将走入的世界如何崇高和神秘，从不以这个陌生世界的清规戒律使我们这些随他前行的人怯步。相反，他总是以一个刚从那里领略到无限乐趣的先行者和同好的口吻将那里的一切美妙景致向我们娓娓道来，使我们禁不住产生强烈的好奇和冲动，急于同他分享那精神的盛宴。而这也正是作者这位慷慨热心的引路人的目的所在。

《唱片里的世界》包括了90 篇随笔式的短文。从每一篇短文的标题中我们不难看到，作者希望通过围绕唱片和音乐家的妙趣横生的故事来引发我们的兴趣和注意力，以便从不同的途径、以不同的方式走近每一张唱片和每一位音乐家。开篇伊始的《为艺术为爱情的卡拉斯》以饱含激情的笔调向我们讲述了歌剧女神玛丽亚·卡拉斯那辉煌而又充满悲剧性的一生，了解了这一切之后，再聆听卡拉斯的歌声，我们的感受便不能不增加新的内涵。在介绍贝多芬的《三重协奏曲》唱片时，作者从他那些历史资料中挖掘出的关于这部作品创作经过的既新颖又动人的故事时，我们就会带着新的眼光从贝多芬的作品中发现更多的戏剧性和乐趣，同时也更加热爱这部作品。

本书作者出生于书香门第，父亲是“延安四杰”之一、以《二月里来》那脍炙人口的佳句而永驻人们心间的著名的词作家塞克先生。陈立自幼学习小提琴，后进入人民音乐出版社。与很多专业从事音乐的人不同，他本人就是一位真正的音乐爱好者，或者更准确地说，是一位音乐迷。多年来，他是京城大小唱片店的常客，面对着那些欲置不能的磁带、唱片欣喜，踌躇，最后还是用兜里最后的钱断然买下，回到家彻底沉醉于音乐的欢乐，这已是他生活的重要组成部分。从磁带、密纹唱片到激光唱片和视盘，他的收藏已超过六千张。正是对音乐的这种发自内心的热爱以及敏锐丰富的感受，加上广博的收藏，使得陈立在唱片的评价、鉴赏方面具有相当走进这美妙的唱片世界人们常常将“神圣”、“殿堂”一类的字眼与古典音乐相联系，意在体现古典音乐的高雅和严肃。这种认识当然有其历史的、心理的根据，对于培养人们对古典音乐的尊重乃至崇敬不无裨益，而且也确实对许多音乐爱好者产生了影响。很多普通的音乐会听众在走进音乐厅时其虔诚的心情不亚于教徒走进教堂；而很多人在家里听唱片时也会极力营造出宗教仪式般的虔诚气氛。然而，这种看法也不可避免地有其不利的一面，那就是，它突出和夸大了古典音乐的高雅和严肃，而忽视或者掩盖了古典音乐亲切、可爱的一面，使古典音乐成为一种令人敬畏的精神仪式，而不是作为人类生活一个有机组成部分的日常精神食粮。很多音乐大师都提醒人们不要忘记音乐有其令人愉悦、给人享受的功能，这是任何一个健康的、感觉健全的人都有资格享受的。

陈立的这本《唱片里的世界》所持有、所倡导的正是这样一种自然平易、亲切轻松的音乐观，或者说，一种高的造诣，在歌剧方面尤其出色。他多年来陆续在《光明日报》、《北京青年报》和《高保真音响》等报刊上发表了大量唱片评论、音乐家介绍及音乐会评论，在音乐爱好者中有着相当好的印象。当然，以本书这样的篇幅不可能成为一本唱片指南，作者也无意这样做。

为艺术为爱情的卡拉斯

欧洲歌剧史上有两位划时代的人物，一位是意大利作曲家朱塞佩·威尔
第，另一位就是美籍希腊裔女高音歌唱家玛丽亚·卡拉斯。
卡拉斯被誉为20 世纪的歌剧女神，她凭借自己对音乐、对戏剧的天赋和
创造精神，相继征服了世界歌剧表演艺术的三大金殿——意大利米兰斯卡拉
歌剧院、英国柯文特花园皇家歌剧院以及美国的纽约大都会歌剧院，从而登
上了世界歌剧女王的宝座。
卡拉斯是一位具有鲜明浪漫主义演唱风格的艺术家，尤以高超的美声唱
法技巧见长，在表演上，她力求声乐形象和戏剧形象的高度和谐统一，并成
功地塑造了一批在歌剧表演史上技艺超人的典型悲剧人物形象。卡拉斯的歌
喉音色圆润、甜美、明亮，音域宽广、灵活、多变，在丰富的音色变化下透
出一种光辉的戏剧性气质，再加上她得天独厚的艺术资质和超人的表演才
能，就使得她能够极为轻松地驾驭和掌握歌剧中难度极大的戏剧角色。作为
一位声乐艺术家，卡拉斯最与众不同的是她在歌唱中总是融入全身心的体验
与感受，她所塑造的歌剧人物形象会牢牢地抓住每位听者的心。卡拉斯不是
那种凭借完美的声音技巧来哗众取宠的歌唱家，她总是让高超的声乐技巧服
从于最充分、最准确的歌剧艺术精髓的体现，她刻意通过自己的歌喉和表演
再现已经掌握的戏剧精华并赋予歌剧以新的生命。聆听卡拉斯的歌唱，人们
会被她那特有的嗓音和极富戏剧表现力的艺术风格所深深地打动，特别是当
欣赏到由她所扮演的戏剧角色时又将使人更加为之感动。人们为她优美的歌
喉和绝妙的演技而倾倒，同时也被她隐埋在辉煌的光环下面的某些更为深刻
的情感所撼动。
“我为艺术为爱情而生活，一生信奉上帝。在教堂里我充满虔诚地向上帝祈
祷，在圣坛上我每日都默默地供奉鲜花，但在我最悲伤的时候，为什么啊，
我的上帝，你却无情地将我抛弃⋯⋯”
这是19 世纪意大利作曲家普契尼歌剧《托斯卡》中的那首感人至深的抒
情女高音咏叹调。每每听到这首由卡拉斯演唱的“为艺术为爱情”时，人们
总会被她那充满痛楚的演唱所震颤，这首咏叹调其实也正是卡拉斯一生的真
实写照。
玛丽亚·卡拉斯1923 年12 月2 日出生于纽约一个希腊移民的家庭里，
父亲以开药店为生，在这个并不富裕的家庭里，母亲怀孕后本想生下个可爱
的男孩，但当婴儿降生之后她却失望了，又是一个女孩。母亲最初曾拒绝留
养她，但当后来她在看到小女孩那双乌黑闪亮的大眼睛时，她终于又改变了
初衷并决心将全部的母爱都倾注在这个新生儿的身上。
4岁时，小卡拉斯总喜欢长时间地坐在钢琴旁，边用小手按着琴键，边欣喜
若狂地倾听着自己所弹奏出的几个乐音，并还不时地随声哼唱，就是这
初次稚嫩的歌唱，使得她的母亲记起了孩子的外祖父的歌声曾经遐尔闻名，
于是在她的心中便隐约地滋生了一种野心——要将女儿培养成为世界上最伟
大的歌唱家。于是母亲便为小玛丽亚买了第一张唱片，曲目是普契尼歌剧《托
斯卡》中的咏叹调“为艺术为爱情”。这似乎是上帝的安排，谁知这首“为
艺术为爱情”竟伴随了卡拉斯整个戏剧性的一生。
卡拉斯从7 岁起开始接受音乐教育，10 岁时便以一曲《鸽子》奠定了日
后成为伟大歌唱家的基础。当然初时玛丽亚的一切行动都是由母亲来亲自决
定的，1936 年玛丽亚的母亲决定：女儿要走她梦想的道路，就必须回希腊找
老师接受严格正规的训练。于是以后的30 多年里音乐就成为了卡拉斯无论白
天还是黑夜里最为忠实的伴侣，它既给她带来了欢乐，也给她带来了痛苦，
以致她在晚年回忆这段时光时，无论如何也不能原谅她的母亲无情地剥夺了
她最为美好的童年。
玛丽亚17岁时，第二次世界大战的烽火烧到了希腊，意大利军队和德国
军队侵占了希腊的国土。在一次意军搜查她家时，她唱起了“为艺术为爱情”，
她的歌声使得意大利士兵忘却了搜查，甚至在临走时还在钢琴上放了当时最
为紧缺的食物。此后，这些士兵又连续三天前来倾听她的歌唱，玛丽亚的歌
声使意大利人唤起了对故乡的回忆，也唤醒了他们的人性。为了掩护受伤的
英国军官，玛丽亚在一次大搜捕中又一次无视禁令地唱起了“为艺术为爱
情”，卡拉斯那极富感染力的歌声再一次的产生了奇迹，德军士兵竟然忘却
了所执行的任务，也纵情地跟着她同唱。玛丽亚就像一个圣洁的女神，用她
的歌声在最困苦的时候拯救了自己、家人和众多的生命。整个战争期间，如
果说玛丽亚的歌喉被证明是一种富有魔力的武器，那么赋予这魔力武器的另
一半就是歌剧《托斯卡》中的“为艺术为爱情”。
战争结束后，卡拉斯的个性日渐成熟，这一期间人们可以从她的表演中
发现在这位“纯粹希腊血统”的女人身上所具有的可爱本质——非常的活跃，
并能高度地表达出对事业的专注与热情。人们可以从她的每一场演出中感受
到她所展现的一种崭新的品格——做人的尊严，卡拉斯就像女神一般的高
傲。与此同时，她也发现自己不仅作为歌唱家，而且就作为一个普通女人而
言，她同样是具有着相当的魅力，但是以往的这种魅力却都被丈夫的极度务
实以及常年的舞台生涯所埋没，这时她已开始隐隐地感到作为一个女人，她
的另外一些

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巨人笔下的《巨人》

奥地利作曲家、指挥家古斯塔夫·马勒1860年出生于一个小商人的家庭里，马勒从小便显露出对音乐所特有的敏感性和才华，他一生作品繁多，但是大多却只限于交响曲和歌曲的体裁。由于马勒的交响曲创作都具有统一的音乐思，因此所有的交响曲便汇合成为了一个庞大的整体并具有很深刻的哲学宏伟构思。

马勒的第一交响曲《泰坦》也被称作为“巨人”，始作于1885年，但是直到了1888年才告完成，这首交响曲是马勒有感于德国作家约翰·保罗的一部小说而作。

“泰坦”在希腊神话中是被宙斯放逐的神祗乌拉诺斯与地母该亚所生之子，由于他非常凶恶，所以便被囚禁于塔尔塔洛斯的地狱之中，这是一个恐怖而强暴的形象。保罗小说中的泰坦在德国浪漫主义文学中曾是一个很重要的人物形象，同时保罗又是马勒最喜爱的德国作家，为此他便将自己的第一交响曲命题为《泰坦》。关于这部交响曲的创作动机，马勒曾明确说过是和他的两次恋爱有关，但他又强调说，当作品最后完成时，其内容却已远远超出了恋爱故事之外。起初马勒根本没有把这部作品称为交响曲而是称之为“交响诗”。那时他只有29岁，刚在他的音乐生涯中迈出了第一步，因此在这部作品中就到处弥漫着青春的活力与气息。在写作第一交响曲的初稿时，马勒曾将主题构思分成为两个单元五个乐章来加以呈示，它们是第一单元，总标题为“青年时代”，这其中包含了三个乐章，第一乐章：无尽的春日、第二乐章：百花园、第三乐章：满帆前进；第二单元的总标题为“人间喜剧”，其中第四乐章的标题是：猎人的葬礼进行曲、第五乐章为：从地狱到天堂。到了1893年，马勒重新将这部作品进行了较大的修改与压缩，他删去了原来的第二乐章使其变成四个乐章的格局，由此也才将它称之为交响曲。马勒的第一交响曲的创作过程经历了很长的时间，其创作意图也屡经更迭，这种情形在作曲家的其它作品中是很少见的。在马勒的这部交响曲中，音乐主题充满了明朗光辉和对青春、大自然的礼赞以及对未来美好生活的憧憬与渴望，这一点和他后期的一些作品中随处可见的那种尖锐矛盾冲突和悲观沮丧的情
绪形成了鲜明的对照。
    荷兰阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团是马勒生前经常指挥的著名乐团，该乐团曾与马勒建立了非常亲密的友好关系，马勒的许多作品在当时也都是由这个乐团所首演，所以皇家音乐厅管弦乐团对马勒音乐的诠释就具有着至高无上的权威地位。另外乐团还保存有一些当年马勒在指挥时所用过的总谱，在那上面至今仍留有诸多的增删与修改笔记，这些珍贵的资料无疑又为后人的诠释提供了第一手的参考佐证。

这张由里卡多·夏依指挥皇家音乐厅管弦乐团录制的马勒第一交响曲的演绎相当新颖，其中的第一乐章尤为精彩，乐队音响柔韧细腻、乐思流畅缠绵，与众多该曲的传统演奏相比，这张新录音里充满了抒情、温馨、诗意和动人的高雅情趣，荷兰阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团在夏依的棒下所营造出的迷人管弦乐色彩，使得欣赏者们无不随之飘然入境、心旷神怡、真是绝妙之极。

战火中诞生的乐章

肖斯塔科维奇的第七交响曲，又被称作是《列宁格勒交响曲》，这首C大调，作品编号为60的交响曲是作曲家于1941年卫国战争期间列宁格勒被围困中创作的一部大型作品。

1941年6月22日的凌晨，希特勒的法西斯政权对苏联发动了大规模的侵略，仅5个月内德军便以闪电战术纵深苏联领土1200公里，封锁了列宁格勒，逼近莫斯科。在围困列宁格勒数百天中，德军每天从上午11时至晚上6时向这座城市倾泻着数百吨的炮弹。希特勒扬言要把列宁格勒彻底从地图上抹去。但是英雄的苏联人民是不屈服的，他们顽强地抵抗着。在火光硝烟中，作曲家肖斯塔科维奇拒绝了音乐学院为他安排疏散到中亚地区的计划，留在战争的前沿。他参加了志愿消防队，头戴消防盔，一边做防空监察员，一边开始了第七交响曲的创作。他要用音乐把这场正义之战和苏联人民不屈的精神告诉给全世界热爱和平的人们。1941年9月17日，肖斯塔科维奇在电台发表广播讲话，他充满激情地说道：在一小时前，我完成了大型交响曲的第一、二乐章。如果情况允许我把三、四乐章也写完的话，这部作品就叫做第七交响曲。在这部交响曲中，我要告诉所有的列宁格勒人，我们城市的生活还在正常的进行下去，我们依然斗志昂扬地站立着。

整部交响曲最后完成仅用了三个多月时间，这在当时极端恶劣和困苦的战争环境下不能不说是一个奇迹。第七交响曲每一乐章的完成日期是这样的：第一乐章完成于1941年9月3日，第二乐章为9月17日，第三乐章为9月29日，第四乐章创作于疏散后的古比雪夫，完成日期为同年的12月27日。

作曲家为第七交响曲的每个乐章都赋予了一个小标题，他们是第一乐章——战争。它以奏鸣曲的形式写成，音乐速度为小快板。这个乐章先以热情奔放的主题歌颂了战争前人民勤劳而安宁的生活，随后，又以抒情而富有诗意的主题描述了夏日里大自然的迷人景象，接着乐曲通过和平与战争的音乐形象对比，表现了侵

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移花接木谱新曲

法国作曲家乔治·比才是著名歌剧《卡门》的曲作者。直到1875年比才逝世后，人们才开始认识到这部歌剧作品的真正艺术价值。从此，比才的其它作品也被人们重视起来，并进行重新估价。《阿莱城姑娘》戏剧配乐便是其中之一。《阿莱城姑娘》是法国文学家都德根据他的短篇集《磨坊书简》中第六篇改写的一部三幕四场戏剧。34岁的比才，为这部戏编写了27段音乐。1872年该剧首演，未获成功，但比才为该剧的配乐却博得了人们的好感和喜爱，于是比才就从这27段配乐中选出他认为比较好的四段，编成了管弦乐《阿莱城姑娘组曲》演出后备受欢迎。比才逝世后，他的朋友埃涅斯特·基洛，从《阿莱城姑娘》戏剧配乐里又选出了三段音乐，并把剩下的短小乐曲片段和比才的另一部歌剧《珀斯美女》中的一段音乐进行连接并改称“小步舞曲”，他采用比才生前惯用的配器手法和写作风格，完成了一套更加著名的《阿莱城姑娘》第二组曲，于是后人便把比才自己选编的那套组曲称为《阿莱城姑娘》第一组曲。阿莱城位于法国南部，是毗邻意大利的普洛旺斯省的一座小城，它位于幽美的隆河畔，在古罗马时代建成的露天竞技场，成为阿莱城的名胜古迹，再加上有关阿莱城姑娘的美丽传说，这一切都为艺术家的创作提供了无限遐想的空间。在《阿莱城姑娘》第二组曲中，尤以那段优美的“小步舞曲”给人留下隽永难忘的印象。这是一首由长笛独奏、竖琴伴奏的舞曲，音乐取自比才歌剧《珀斯美女》第二幕中的一首二重唱。它的旋律清新绮丽，是组曲中最脍炙人口的篇章。这段音乐录制出色的是由卡拉扬指挥爱乐交响乐团演奏的一款CD，卡拉扬在这款录音中，运用了富于戏剧性的夸张手法，音色温馨璀灿，节奏明快流畅。长笛高音区水晶般清澈，竖琴轻快的拨奏宛如色彩斑斓的背景图画。再现时，长笛和萨克斯管的二重奏清恬淡雅，充满诗的韵律，极为迷人。如此短小的乐曲，演奏好是极难的，目前市面上出售的这首作品的录音版本很多，但多被演释成轻音乐风格，缺乏表现上的深度。可是它在指挥大师棒下则就不同凡响了。这首典雅柔美的小步舞曲在歌剧《珀斯美女》中的原貌辑录于EMI公司录制的CD（唱片号是7475598）。因为这个剧目很少演出，所以对于这款唱片的收藏就尤为难能可贵了。朋友们有机会可以与组曲中的改编曲对比聆听，定会另有一番意趣。

给德国歌剧注入生命的两位作曲家

卡尔·玛里亚·恩斯特·冯·韦伯（1786-1826）和理查·施特劳斯（1864-1949）是德国音乐史中歌剧创作的两位典型人物，一位是德国浪漫主义歌剧的开拓者，一位是继承了19世纪浪漫主义的风格传统同时又融合了20世纪通俗主义的艺术观，既写了上一个世纪人的痛苦挣扎，也写了下一个世纪人的欢悦与迷惘的作曲家。
    韦伯的代表作是根据德国古代民间传说而写的《自由射手》（又译“魔弹射手”），这部歌剧于1821年在柏林首演获得空前成功。这是一部动人心弦的歌剧，极具魅力的序曲和其中动人的唱段引起了听众强烈的反响，因为在此以前德国还没有真正属于自己民族的歌剧，所上演的歌剧不是源自意大利就是取材于古代神话，而《自由射手》则不同，它完全是取材于德国民间故事，它的曲调也全部来源于德国民间优美的旋律，因此《自由射手》的成功就标志着具有真正德国浪漫主义风格的歌剧从此而诞生。韦伯随后创作的歌剧《奥伯龙》也同样受到了热烈的欢迎，但就当《奥伯龙》首演仅两个月之后，韦伯便因病与世长辞，时年仅4O岁。韦伯被誉为是19世纪德国浪漫主义歌剧的奠基人。理查·施特劳斯是一位多产的作曲家，在他85年漫长的人生旅途中曾写作过大量不同体裁的音乐作品，但艺术成就最高的还要数其交响诗和歌剧。理查·施特劳斯一生共写有15部歌剧，其中风格各异，有一时期他的歌剧曾接近勋伯格和贝尔格的无调性及神经心理学的风格（《埃莱克特拉》），有一时期他的歌剧则又转向在采用古代神话的同时又赋予作品以20世纪新的写作特征（《阿里阿德涅在纳克索斯》），这一手法曾被斯特拉文斯基戏称为“时代的旅行”。他的最后一部歌剧是具有“人物群像”风格的《随想曲》，该剧问世以后获得极高评价。理查·施特劳斯的歌剧非常精彩，风格独特，在歌剧史中占有相当重要的地位。在这些歌剧的音乐创作中，理查·施特劳斯经常是把18世纪的高雅情致和瓦格纳式的丰富多彩有机地融合在一起，因此他的歌剧音乐就往往是声部相互交织、结构庞大复杂、具有感人至深的戏剧效果和很强的交响性，所以后来有些篇章便常被单独地抽出来用做交响音乐会曲目演奏，同样也受到了听众极为广泛的热烈欢迎。这张DG 公司采用4D 技术录音的《韦伯与理查·施特劳斯的歌剧序曲及管弦乐》是由西诺波里指挥德累斯顿国家乐团（StaatskapelleDresden）演奏的。StaatskapelleDresden 的德文字面意义应为“国家教堂”，而实际上所有在王侯宫廷时期建立的诸如管弦乐队的音乐团体都用此名，因此拥有400年历史的德累斯顿管弦乐团至今也就依然被称作为“德累斯顿国家乐团”。德国乐团演奏德国经典，可谓是极为的“正宗”。这是一张艺术性和欣赏性都很强的唱片，所选曲目如下：1.韦伯：歌剧《自由射手》序曲，2.歌剧《奥伯龙》序曲；3.理查·施特劳斯：歌剧《火荒》中的“爱情场面”，4.歌剧《莎乐美》中的“七层面纱舞”，5.歌剧《没有影子的女人》交响幻想曲。唱片编号DG449216－2。

优美旋律的诱惑

青春，青春，一生的黄金时代，
你远远地飘向哪里？
未来的前途将会怎样，
我这里徒然把它推想。
眼前茫茫然雾一片，
别管它，命运会决定。
那枪弹也许射穿胸膛，
也许它会从身旁飞过，
都一样，死亡还是生存，
决定时刻你来吧。
繁忙的白日虽然好，
黑

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《后宫诱逃》

《后宫诱逃》是莫扎特所作的三幕喜歌剧，由布雷茨纳撰写脚本，斯特凡尼改编。该剧于1782年在维也纳首演，是第一部用德语写成的重要歌剧。《后宫诱逃》的故事梗概是这样的：美丽的姑娘康斯坦茨与侍女布隆德被土耳其将军赛利姆帕夏囚禁在宫中，赛利姆帕夏被康斯坦茨的美貌所迷惑，总幻想能和她结婚。康斯坦茨的情人，西班牙贵族贝尔蒙特与他的仆人贝德里洛（布隆德之夫）在探得康斯坦茨和布隆德的下落后，于是贝德里洛便乔装打扮谋得了一个宫中园丁的职位，后经他的介绍又把其主人贝尔蒙特以建筑师的身份引荐进宫。经过周旋，四人相见并商定好逃脱的计划。黑夜来临，四人准备行动，谁想由于紧张过度，康斯坦茨不小心碰倒了一个障碍物发出巨响惊动了看守和士兵，在搜察中四人被抓获。赛利姆帕夏闻讯勃然大怒，准备严惩。贝尔蒙特这时意外得知自己的父亲和赛利姆是世仇，遂想一切都完了，看来是逃脱不了被处死的命运。歌剧发展至此，看来非得以悲剧结局了，但事实却出乎意料，莫扎特写到此处时将笔锋一转，不是以悲剧结尾而是用喜剧结束。这种一紧一松的戏剧夸张手法运用，便产生了很强烈的舞台效果：土耳其将军赛利姆帕夏被年轻人忠实的爱情牵动了恻隐之心，遂决定放弃复仇的计划让他们团圆并返回自己的祖国。最后全剧在皆大欢喜的热烈气氛中结束。

有意思的是：在写作此剧期间，莫扎特正向康斯坦茨·韦伯求婚，所以剧中女主角的名字也就被叫做康斯坦茨，当《后宫诱逃》首演一个月后，他们喜结连理。索尔蒂是当代演绎莫扎特歌剧的名家，曾先后录制过莫扎特的四大歌剧：《魔笛》（1971）、《女人心》（1977）、《唐·乔万尼》（1979）及《费加罗的婚礼》（1982）。1984年在录制这套《后宫诱逃》时还曾有过一段鲜为人知的趣闻：那是在1982年，在一场音乐会中，指挥大师索尔蒂在一场音乐会上观赏了由著名女高音歌唱家格鲁贝洛娃演唱的《后宫诱逃》中的一段咏叹调，索尔蒂当即便被格鲁贝洛娃出色的演技与美妙的歌喉所深深地打动，遂想日后如果有机会录制这一剧目时就一定要请其出任康斯坦茨一角。出生于捷克的格鲁贝洛娃是当今享誉世界的女高音歌唱家，她的嗓音具有委婉灵活，柔韧亮丽的特点，因而非常适合演唱莫扎特歌剧中的一些角色，被公认为是莫扎特歌剧作品的权威解释者。以索尔蒂在当今世界乐坛上的地位，要请一位大牌歌唱家合作理当毫无困难，但此次邀请却不象以往那般顺利，结果是花了近三年的时间才得如愿以偿。原因是格鲁贝洛娃以自己饰演康斯坦茨一角太多，遂决定今后不再在舞台上出任该角色为由婉拒了索尔蒂。但索尔蒂并不灰心，他认为此次录音如果没有格鲁贝洛娃出任康斯坦茨一角，录音成色将大打折扣。于是索尔蒂便极力地劝说格鲁贝洛娃，并希望她能回心转意。索尔蒂为了表示非她莫属的决心，史无前例地于1984年秋天在录制第一幕时空留了康斯坦茨的部分。这一动作使格鲁贝洛娃大受感动，终于答应了索尔蒂的请求出任了该剧中的康斯坦茨一角，并于1985年的6月在母带上补录了她的歌唱，这就成为格鲁贝洛娃饰演康斯坦茨一角的最后一次，因此被索尔蒂称之为是“历史性的记录”。事后，索尔蒂对这版录音 评价道：“在未来的五十年内不会有任何人能把康斯坦茨一角演唱得比格鲁贝洛娃更好”。更何况出任其他角色的歌唱家也都是当今歌剧界的顶红人物，录音效果也非常舞台化，互相辉映就更是引人入胜。基于上述，这套录音的收藏价值也就将不言而明了。唱片编号DECCA471402-2

中国人的骄傲

1996年德国DG唱片公司出版了一张由皮尔丝、杜梅、王健合作录制的勃拉姆斯钢琴三重奏的唱片，唱片一经问世便引起了乐迷们的强烈反响。缘何如此，其中特点有三：第一，这张唱片是自50年代以来DG唱片公司首次录制的三重奏作品；第二，在演奏家中有位中国大提琴新秀王健；第三，王健是第一位中国的独奏家在世界最为著名的唱片公司出版激光唱片。同时，也是与拥有像卡拉扬、伯恩斯坦、帕尔曼、阿格里奇等众多世界顶尖级艺术家的百年历史名牌公司签约的第一位中国艺术家。王健是一位在当今世界乐坛上相当活跃的年轻大提琴演奏家，1968年12月26日出生于西安的一个音乐家庭，后随父母定居上海。王健4岁起便在从事大提琴演奏专业的父亲的悉心指导下学习大提琴，并表现出了超人的音乐天赋。10岁以第一名的成绩考入上海音乐学院附小，入学后即被列入为外宾表演的小演奏家小组行列中。美国著名小提琴家斯特恩拍摄的那部轰动世界的纪录影片《从莫扎特到毛泽东》放映后，使更多的人认识了王健，一时被海外报刊誉为“中国的大提琴神童”。此时不断有对其琴艺极高的赞语：“他是一位令人激动的演奏家，他的技巧是建立在花岗岩上的（英国弦乐杂志《斯特拉底》）。”“世界上没有他不能征服的音乐与技术的高峰（《芝加哥论坛报》）。”虽舆论界对他倍加赞誉，可王健却总是对来访者强调他不认为自己是天才，他的音乐与大提琴技术的功底主要得益于父亲与老师们的教导，特别是父亲那科学的教学方法，“我的父亲他为我打下了坚实的技术与艺术基础”。

王健与他同时代的音乐家相比成绩尤为蜚然，琴声所及之处受到的誉美之词也更多。斯特恩最早预言：“他有伟大的才能，是东方最有希望的音乐家”；小泽征尔称他为“世界级大提琴家”；林昭亮盛赞他是“世界乐坛奇葩”；也有人把他比做“中国的莫扎特”。1980年，12岁的王健首次与黄贻钧执棒的上海交响乐团合作演出圣-桑大提琴协奏曲，初露峥嵘。1982年作为上海音乐家小组成员赴美巡回演出50场音乐会。1985年赴香港地区和日本演奏，同年大提琴家帕里佐（AldoParisot）访华接受王健赴耶鲁大学音乐学院深造，赴美后以独奏艺术家身份加盟世界音乐大师云集的ICM艺术公司（InternationalCreativeManagement）。1988年王健在耶鲁大学毕业后又以优异的成绩考入朱丽亚音乐学校，获最高奖学金，继续师从帕里佐。1985—1988年他曾三度走进世界音乐圣殿——纽约的卡内基音乐厅演奏。1987年秋中国中央乐团首次访美，王健被邀作为独奏家在美

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美丽的画卷《尤兰塔》

独幕抒情歌剧《尤兰塔》是俄国作曲家柴科夫斯基的最后一部歌剧，歌剧讲述了一个充满神话色彩的故事——拿波里王列涅有一个美丽而又聪颖的女儿名叫尤兰塔，但是非常的不幸，尤兰塔自从出生的第一天起就什么也看不见，是一个盲女。列涅王为了不让女儿知道她的不幸，便在荒僻的山区为她单独建筑了一个花园式的宫殿，让她在远离尘世的地方过着无忧无虑的生活。宫殿四周开满了鲜花，但却不允许任何人走近它，否则将被处死。随着岁月的流逝，尤兰塔逐渐长大，但她并不知道自己是国王的女儿，也不知道自己是瞎子，因为从来也没有人向她讲述过外面的世界。一天列涅王请来一位医生，想通过手术使女儿的双目得以复明，但是为了使手术成功医生提出必须得让尤兰塔知道自己是瞎子，这样才能更好地调动她本身的自治力量帮助康复。对于这一要求列涅王陷入了不安之中，因为他怕女儿承受不住这一突来的精神打击。年轻的沃德蒙骑士一日出游信步来到了这座花团锦簇的神秘宫殿前，尽管门上写有：“擅自入内者必处死！”的字样，但他还是受强烈的好奇心驱使推门而入。在花园中沃德蒙看见了一位少女在散步，那婀娜的步态和美丽的面容令他惊诧不已，于是便很有礼貌地上前问候。在和尤兰塔的交谈过程中骑士猜到这位美如天使的姑娘其实并不知晓自己是瞎子，于是同情之心和突然迸发而出的爱情促使沃德蒙向尤兰塔讲述了外面美好的大千世界。他的话语充满了温情，在尤兰塔的心中唤起的不是惊恐、绝望，而是胆怯和羞涩，她从心底爱上了这个向她讲述未知一切的青年。国王的卫队发现有生人擅自闯入神秘的花园，便立即将他抓住。沃德蒙面对国王毫无惧色，他勇敢地说出自己是谁，而且也不隐瞒他曾对尤兰塔所讲述过的一切。尤兰塔得知青年骑士要被处死的消息后非常焦虑，急切盼望着复明的心情控制了她，因为只有复明才能救骑士，她那初恋的感情变成了强大的动力，就在这种精神力量的作用下，医生成功地实施了手术。复明后的尤兰塔来到美丽的花园，她第一次看见了父亲、乳母和年轻的骑士，世界是多么的美好啊，最后列涅王在皆大欢喜中将女儿许配给了这位带给她幸福和光明的高尚青年沃德蒙。歌剧《尤兰塔》于1892年的12月6日在圣彼得堡玛琳斯基剧院（基洛夫歌剧院前身）举行首演。柴科夫斯基非常喜欢这部歌剧，他个人认为歌剧《尤兰塔》的艺术成就要远远地高于他的另一部歌剧《叶甫根尼·奥涅金》。柴科夫斯基的这部歌剧在音乐主题和戏剧结构方面都独具风彩，自然主义的心理描述在作品中达到了顶峰，柴科夫斯基保留并深化了咏叹调以及重唱的表现力，同时又大大地强化了管弦乐队的和声作用，从而得以更好地为揭示戏剧人物的内心世界服务，手法之高令人惊叹。这套飞利浦公司出版的《尤兰塔》唱片是由瓦列里·杰基耶夫指挥俄罗斯圣彼得堡基洛夫歌剧院演出的，杰基耶夫近几年在飞利浦公司连续录制了许多俄罗斯歌剧均获得国际乐评界的好评。这版《尤兰塔》可说是非常的精彩，且韵味十足，音乐中所浸透着的浓郁俄罗斯风情决非是一般歌剧院所能启及的。主人公尤兰塔的饰演者女高音吉尔乔格娃更是不同凡响，她将一位美丽善良的少女内心体验揭示得淋漓透彻。聆听柴科夫斯基的这部抒情歌剧.就像是在欣赏一幅美丽的画卷，令人感到无限的惬意。唱片编号：PHILIPS442796—22CD套装

卡雷拉斯高唱《在那遥远的地方》

世界上任何一件乐器都没有人声的表现力那样强烈、那样撼动人心，这正如古人所云：丝不如竹，竹不如肉。在当今男高音歌坛上有一位极为令人瞩目的人物，他就是世界三大男高音之一的何塞·卡雷拉斯。人们之所以关注他，不只是因为他有一副天赐的好歌喉，而更为重要的他还是一位意志坚强的生命斗士。
    卡雷拉斯1946年12月5日出生于西班牙的巴塞罗纳，7岁那年他在观看了一部描写本世纪最伟大的歌唱家卡鲁索的艺术生平电影后，便立志长大也要成为一名歌唱家。11 岁时他在利赛奥剧院首次登台，从这以后他一心想成为歌唱家的愿望便与日俱增，他相信歌唱将是他未来人生的全部。22岁时卡雷拉斯已在西班牙小有名气，他在歌唱中所表现出的那种独有的高雅、热情的美声激情令许多人为之沉醉，就在当年他参加了在意大利举行的国际威尔第声乐比赛，并轻取了第一名。卡雷拉斯歌声的优美、感情的细腻，表述的自然、技巧的高超，给予了现场评委以极大的震动。当时所有的报刊都将他称为新的斯苔法诺（意大利著名男高音歌唱家），就连斯苔法诺本人也对他倍加赞赏，这次比赛为他日后的发展创下了一个良好的开端。此后，不到30岁的卡雷拉斯又以其魅力无穷的演唱征服了欧洲，当时欧洲所有重要的大剧院都与他签有合约并争相邀其出演。1976年卡雷拉斯有幸获得指挥大师卡拉扬的赏识，在和卡拉扬合作之前，卡雷拉斯的演唱特点是以抒情男高音见长，他经常演唱的也多是普契尼、多尼采蒂、威尔第歌剧中较为轻快灵活的角色。在和卡拉扬合作之后，卡拉扬认为卡雷拉斯的嗓音条件还有潜力可挖，于是便鼓励他尝试演出一些厚重的戏剧角色，从此戏剧男高音的大门便向卡雷拉斯敞开了。1984年，卡雷拉斯在演唱歌剧的同时还开始了演唱音乐剧，他曾先后演唱过《西区的故事》、《南太平洋》以及劳埃德·威柏的一些著名音乐剧唱段。正当卡雷拉斯的事业如日中天之时，1987年7月16日卡雷拉斯被确诊为患上血癌的消息就像是晴天霹雳一样瞬间震碎了他所有的梦想。在和疾病抗争的日子里，卡雷拉斯以其顽强的毅力和死神进行着殊死的较量。1988年7月21日，这位生命的斗士终于战胜了病魔重返舞台。在成千乐迷的欢呼声中走上闪亮的舞台时，人们看到的已不在是从前那位相貌英俊的歌王，而是因钴六十照射后稀疏的头顶、苍白的面颊但却面带坚毅的微笑和充满对未来希望的卡雷拉斯，见到这一情景许多人都流下了热泪。在人们的欢呼声中卡雷拉斯演唱了十几首歌曲，最后的掌声竟长达70多分钟，这可以说在音乐史上都是极为罕见的。1996年是这位伟大的歌唱家50 寿辰，为此法国的ERA－TO 唱片公司专门出版了一张卡雷拉斯歌唱集以示庆贺，在这张CD中，卡雷拉斯展现给听众的既不是歌剧咏叹调也不是音乐剧选曲，而是根据世界名曲而填词改编的艺术歌曲，这张题为《激情》的专集是卡雷拉斯在经历了人生顿悟之后所推出的一张引起强烈轰动的唱片。在这张唱片里共收录有世界名曲14 首，但其中最为珍贵的是第14首的压轴曲目——我国已故著名西部歌王王洛宾先生的不朽名作《在那遥远的地方》，并且卡雷拉斯在此歌中还是采用中文演唱的。为了能唱好这首歌曲。卡雷拉斯专门聘请了一位中文教师以指导他的发音与吐字。这首在中国家喻户晓的名歌由卡雷拉斯唱来，更让熟悉它音调旋律的每一位中国人备感亲切、激动不已。卡雷拉斯的演唱虽然咬字略显得有些生硬，但他在其中所表达出的质朴、多样和深邃的情感却使人听后

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“立体”的斯托科夫斯基

斯托科夫斯基是20世纪最伟大的指挥家之一，他对指挥艺术所做出的卓绝贡献至今仍影响着后人。莱奥波德·斯托科夫斯基1882年4月18日出生于英国伦敦，父亲是波兰人，母亲是爱尔兰人。斯托科夫斯基自幼年起便对音乐产生了浓厚的兴趣，于是他先学习小提琴，后又学习钢琴。少年时期的斯托科夫斯基在一次随父母前往伦敦大教堂做弥撒时被教堂里管风琴所发出的迷人音响和宏大的气势所震憾，因此便又从师学习管风琴的演奏。13岁时斯托科夫斯基进入了伦敦的皇家音乐学院，不久他又前往巴黎和柏林学习，在学习期间，他曾获得不少的殊荣，这其中包括女王学院和牛津大学的音乐学士学位。18岁时，斯托科夫斯基在伦敦的圣·詹姆斯教堂担任了管风琴师，并且成为皇家学院管风琴学会的成员。1905年他前往美国谋求更广阔的发展前景。初到美国，斯托科夫斯基先在纽约的圣巴特罗谬教堂担任管风琴师，在此期间他以演奏巴赫的管风琴作品而名声大噪，每到夏季他都利用假期的时间往返于欧洲学习指挥艺术。不久斯托科夫斯基便正式加入了美国国籍。1909年，年仅27岁的斯托科夫斯基应邀担任了美国辛辛那提交响乐团的指挥，在这个职位上，他的指挥技艺得到了充分的展现，并使得乐团的音乐会票房出现了前所未有的争相竞购情况，从而使得斯托科夫斯基的名声逐渐为人知晓并传播远扬。三年后，斯托科夫斯基的声望引起了美国费城交响乐团的注意，遂后他们便与斯托科夫斯基在私下的多次接触中透露有聘请他执掌费城交响乐团牛耳之意。当时斯托科夫斯基很矛盾，虽然他非常惊喜能被费城这样的名牌乐团所看中，但他和辛辛那提的合约并未到期，另外，辛辛那提对他还有知遇之恩，但是目前的这个机会也是千载难逢，失不再来，最后，考虑到前途和发展，斯托科夫斯基无奈毁约，转而远走高飞前往了费城。斯托科夫斯基一心想使费城交响乐团成为世界上第一流的乐团，于是便提出了一系列的改革措施，这其中包括撤换一些不称职的乐手和改变乐队常规的排练位置。另外他还废除了弦乐演奏必须弓法一致、管乐吹奏必须统一换气的作法，以便使乐队的发声更具有灵活性，斯托科夫斯基花费了10年的心血和独出心裁的训练使费城交响乐团从一个普通的乐团而一跃成为世界著名的一流乐团。一次，指挥大师托斯卡尼尼应邀前来指挥费城交响乐团为RCA 唱片公司录制系列唱片。在排练时，托斯卡尼尼对乐团所表现出的极高艺术素质深感惊喜，费城乐团的音乐性、敏锐度、反应力以及华丽的音色和宏大的音响似乎都远远超出了大师的想象。第一次排练就没有停顿一气呵成，从头完整地演奏到尾，在奏完全曲后，托斯卡尼尼放下指挥棒，向乐团深深地鞠了一躬。要知道能让托斯卡尼尼不发脾气已属万幸，而又使这位音乐巨人向费城交响乐团的演奏家们行了大礼，我们便可想而知乐团当时的水平是如何之高了。正当乐团处于巅峰之时，1934年斯托科夫斯基突然提出辞去音乐总监一职的请求，当时谁都不知斯托科夫斯基为什么会做出这样一个冒然的决定，据斯托科夫斯基讲他是要去东方旅游，去研究东方音乐，但真正的目的却无人知晓。在斯托科夫斯基辞去费城乐团的首席指挥之后，他并没有立刻离开乐团，而是直到1938年奥曼迪正式接任后，才脱离了费城乐团。斯托科夫斯基对新鲜事物很敏感，并且酷爱音响学，他经常和一些音响专家在贝尔实验室进行音响试验，斯托科夫斯基也是第一个从事电影工作的指挥家，他和美国动画片大王迪斯尼合作的动画片《幻想曲》，首次运用卡通和真人相结合的手法，并配以宏大的管弦乐演奏获得了意外的效果，在这部影片中，斯托科夫斯基充分发挥了他的管弦乐天才，改编了许多古典音乐名作，并配以迪斯尼奇幻莫测的精美画面，构成了一幅幅迷人的多彩图景，当时使用的是18个不同声道录音，这实际上就是早期立体声的先驱，但值得注意的是，早在1939年就运用这些手法。1940

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格什文弹格什文

《蓝色狂想曲》是美国著名作曲家乔治·格什文的传世之作。格什文1898年出生于美国的纽约，1937年在好莱坞去世，是一位靠自学成材的作曲家。格什文的成就主要取决于对美国本土音乐和世界音乐的广见博识，相继创作了大量的流行歌曲、歌舞曲、音乐剧等作品，并把爵士音乐、黑人灵歌与交响乐形式有机地溶为一体，创造出了一种独具特色的“爵士风格交响曲”，《蓝色狂想曲》便是其中之一。《蓝色狂想曲》完成于1924年，首演时大获成功。欣赏格什文的这部趣味独特的交响曲，我们可以从中体会到那洋洋洒洒的和充满了奇异色彩的美国风情。在众多的《蓝色狂想曲》录音版本中，一款由作曲家格什文本人亲自弹奏钢琴诠释的CD最为精采，因为在这版演绎中再现了作曲家创作此曲时对生活的许多切身感受，因而在欣赏过后也就总会给人留下一连串难以忘怀的印迹和更多的思考与遐想。格什文在这部作品中表现出了浓郁的民间风彩以及对生活的乐观态度，这些不仅在他弹奏的主题上，而且还表现在他对全曲结构到音乐语言和风格等所有表现手段的把握上，他的音乐写的是普通人，写的是他们的痛苦与欢乐、他们的情感与生活，所以格什文自己在弹奏时就把音乐线条处理得格外的简洁纯朴、独特和新颖，具有很强烈的个性。此外格什文演奏的速度也非常快，他要比现代许多人的演奏至少要快出三至五分钟。格什文在这部作品中所要强调刻划和表现的是正处于20世纪初的美国资本主义工业发展时期的世态与繁忙的普通人的心态。由于格什文是在火车上开始构思《蓝色狂想曲》音乐动机的，所以他曾回忆说：“就是在火车上，在这隆隆的车轮声中，我突然听到了，甚至是看到了狂想曲的整个结构并掌握了它的基本速度⋯⋯。”所以说在这部主题变幻如梭的狂想曲中，音乐的内涵也是和快的速度所密不可分的，由此在聆听这款由格什文亲自演奏的《蓝色狂想曲》时，我们就仿佛是能伸手触摸到那个时代的脉博，并有一种身临其境之感，他会使人联想到卓别林在他的无声电影中所塑造的美国人形象，这种深具时代烙印的演奏，是后人所根本无法启及的。这版CD是格什文1925年弹奏“自动钢琴”的纸带录音，后经技术处理再加入爵士乐队演奏混音制作而成的，所以说这是一张非常珍贵的唱片。什么是“自动钢琴”呢？自动钢琴起源于19世纪末和20世纪的初期，所谓的自动钢琴也就是在一架普通的钢琴上另加一套机械的装置，这种装置能把钢琴家弹奏时的动作、手指对键盘的触动、脚对踏板的踏压按音符的时值和音高将其穿凿成大小不一的孔眼并记录在一卷卷的纸带上。由于本世纪初的录音技术还很不发达，所以人们就多在商店中买来这种由大师们亲自演奏的纸带放入家里的自动钢琴中，然后在通过空气压入纸带孔眼中的气流来推动琴槌击弦发声，由此便自动地重现了钢琴家们的演奏，所以自动钢琴在当时是非常流行的。到了30年代初期，由于留声机和无线电的普及，这种自动钢琴也就逐渐地被淘汰了，但它却记录下了19世纪

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始终与纳粹周旋的富特文格勒

威廉·富特文格勒是20世纪最伟大的指挥家、作曲家，虽然他已于1954年离开了人世，但是他那超凡的指挥艺术风格却一直影响至今。富特文格勒1886年1月25日出生于德国的柏林，父亲是柏林大学的教授，也是一位考古学家。由于出身书香门第，富特文格勒自幼便受到了良好的教育。他在读小学的时候，对音乐显现出了一种特殊的兴趣，于是他的双亲便决定让他学习音乐。最初富特文格勒从管风琴家、作曲家约瑟夫·伦伯格学习音乐，后来又从指挥家、作曲家希林格学习作曲，并跟莫特尔学习指挥。富特文格勒在学习的过程中，发现自己在指挥方面更具有天赋，于是他便一面学习，一面在苏黎世、留培克以及斯特拉斯堡等地的一些小歌剧院中出任助理指挥。富特文格勒20 岁那年与慕尼黑的曼海姆交响乐团合作举行了他的第一次公开音乐会，在这场音乐会上他指挥乐队演奏了他自己的一首交响性作品“b 小调慢板”与布鲁克纳刚刚脱稿的第九交响曲。富特文格勒的指挥才华引起了当时著名的指挥大师门格尔伯格的注意，门格尔伯格预言富特文格勒将是本世纪一位不可多得的指挥天才。1922年富特文格勒在曼海姆的合同期满后，接替理查·施特劳斯的职位成为柏林国家歌剧院的音乐总监，同年又适逢著名指挥大师尼基什逝世，尼基什留下的两个空缺：柏林爱乐交响乐团和莱比锡格万特豪斯交响乐团音乐总监的职位，便成了德国音乐界争夺的“王位”。在激烈的角逐中，富特文格勒以其绝对的优势而荣登宝座，同时担任这两个著名乐团的音乐总监，这时富特文格勒年仅36岁。此后，富特文格勒便率领柏林爱乐交响乐团在全欧洲和美国的各地进行巡回演出，所到之处欢声雷动。他的出现冲淡了听众对门格尔伯格和托斯卡尼尼的印象。1927年，富特文格勒除了指挥柏林爱乐乐团之外还经常指挥维也纳爱乐交响乐团的音乐会演出。1930年左右，在纳粹当政前的德国，国民经济还较为繁荣，音乐生活也很活跃。因此，富特文格勒的指挥演出也就相当的频繁。1928年，在他的指导下，在维也纳举行了隆重的纪念舒伯特逝世100周年音乐活动，随后他还在那里指挥了许多作品的演出。1933年，纳粹登上德国政坛，开始推行种族灭绝政策。由于富特文格勒的女秘书的双亲是犹太人，纳粹不仅下令驱逐他的秘书，而且还操纵当时舆论界对在这场反犹运动中不太听话的富特文格勒进行人身攻击，并在当时的报刊上发表题为《指挥棒与长皮靴》的文章，抨击他袒护犹太血统音乐家施纳贝尔和胡伯曼，并声称他在这神圣的时刻还敢冒天下之大不讳让这些犹太人登上柏林的音乐舞台，真是胆大妄为。1933年的3月，希特勒的宣传部长戈培尔开始大规模镇压犹太血统的音乐家，富特文格勒向戈培尔提出希望能出于人道给予莱茵哈特纳、克莱姆佩雷尔、瓦尔特等音乐家以宽容的对待，但遭到了断然的拒绝。4

brams

好文章!

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排版为什么一排完整，一排断裂？介绍哈恰图良时重复了？